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Princesa Alba vuelve al Santiago de los 2000 con “Tus estaciones”

El Metro de Santiago vuelve a convertirse en escenario de una historia de amor. Este jueves 13 de agosto, Princesa Albaestrenó oficialmente “Tus estaciones”, un nuevo sencillo que cruza pop melódico, guiños al indie y ritmos suaves para explorar una etapa más madura de su propuesta musical. El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Esteban Vargas Roa, donde los vagones, estaciones y trayectos cotidianos de la capital funcionan como territorio emocional.

La canción tiene una historia que se remonta a 2016 y 2017, cuando la artista todavía se trasladaba diariamente como estudiante y comenzaba a escribir algunas de las maquetas que marcarían su carrera, entre ellas “Convéncete”. En ese entonces, los desplazamientos por Santiago terminaron convirtiéndose en un espacio de creación. Lejos del ruido como distracción, las multitudes y los trayectos repetitivos funcionaron como una especie de aislamiento dentro de la ciudad.

“Efectivamente, los espacios de mucho tránsito y horario peak son cuando más me conecto con mi inconsciente, mis sentimientos y mi corazón. Dicen que en esos momentos mecánicos o en piloto automático es cuando más nos encontramos con nuestro universo creativo. Siento que entre más multitudes hay, más conectada estoy conmigo misma; entre las multitudes me hallo mucho”, explica Princesa Alba sobre el origen de la canción.

Esa relación entre ciudad, memoria y música se traslada directamente al videoclip. Bajo la dirección de Esteban Vargas Roa, el Metro aparece no solamente como una locación, sino como el eje narrativo de una historia marcada por recuerdos y pequeños objetos cargados de significado. Entre ellos aparece un teléfono Sony Ericsson, elemento que conecta la estética de comienzos de los 2000 con una época previa a la hiperconectividad permanente de las redes sociales.

Visualmente, “Tus estaciones” también mira hacia atrás. El videoclip recupera códigos del pop de los años 2000 y referencias asociadas a figuras como Julieta Venegas, Belanova y Nelly Furtado, mientras incorpora influencias del cine japonés y secuencias de danza contemporánea que progresivamente llevan el relato hacia un territorio más surrealista e íntimo. El resultado funciona como una cápsula temporal donde Santiago aparece reconocible, pero filtrado por la memoria y la imaginación de la artista.

“Siento que el videoclip retrata muy bien esa sensación de la canción: que no alcanzó a dejarme nunca en su estación porque siempre estuve metida en mi cabeza. Esta canción tiene algo de culpa, de no haber podido dar más en la relación; es un tema super triste y nostálgico que se ve reflejado perfectamente en el video”, agrega la artista. Esa idea atraviesa la canción completa: viajar mientras la cabeza permanece atrapada en otro lugar, convertir un trayecto rutinario en el escenario de una relación que ya terminó.

“Tus estaciones” llega después de “Ella y yo”, publicado el pasado 18 de junio, y continúa una etapa de exploración que posiciona a Princesa Alba desde una sensibilidad pop cada vez más sofisticada. En este nuevo capítulo, el transporte público deja de ser simplemente parte del paisaje santiaguino para transformarse en metáfora: estaciones que se suceden, personas que suben y bajan y recuerdos que permanecen incluso cuando el tren ya está en movimiento.

Cancamusa proyecta su mejor momento con una gira por escenarios españoles

La internacionalización de la música chilena suma un nuevo capítulo con el regreso de AIEnRuta, uno de los programas de intercambio artístico más relevantes entre Chile y España. Tras varios años de pausa, la iniciativa impulsada por la Sociedad Chilena de Autores e Intérpretes Musicales (SCD) y la Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España (AIE) confirmó las fechas que llevarán a Cancamusa a recorrer cinco ciudades españolas durante noviembre, consolidando el mejor momento de la cantautora nacional tras el éxito de su álbum Dopamina.

La cantante, compositora y baterista chilena será la primera representante nacional de esta nueva etapa del programa, mientras que desde España llegará la banda El Nido, cuyos conciertos en Chile serán anunciados durante los próximos meses. La gira europea de Cancamusa comenzará el 13 de noviembre en Castellón, en el marco de la Feria Trovam, para continuar el 15 de noviembre en Barcelona, el 18 en Madrid, el 19 en Toledo y cerrar el 21 de noviembre en El Puerto de Santa María, dentro del reconocido festival Monkey Week.

El recorrido servirá para presentar el espectáculo de su Dopamina Tour, una propuesta que reúne canciones de sus tres discos de estudio y que refleja la evolución artística de una de las voces más sólidas de la escena independiente chilena. La gira llega, además, pocos meses después de que la artista obtuviera el Premio Pulsar 2026 a la Canción del Año gracias a “Dopamina”, reconocimiento que reafirmó el crecimiento de su proyecto tanto a nivel creativo como de convocatoria.

Sobre este nuevo desafío internacional, Cancamusa expresó su entusiasmo por volver a encontrarse con públicos fuera del país. “Estoy muy emocionada y profundamente agradecida”, afirmó la artista, agregando que “será una oportunidad para compartir mis canciones y el camino que he ido construyendo durante estos últimos años como cantautora y baterista, en medio de tantos viajes. Como alguien que nació en el sur de Chile, me emociona profundamente poder llevar mi música a nuevos escenarios y compartirla con personas de otras partes del mundo. Las canciones tienen la capacidad de viajar mucho más lejos de lo que imaginamos, y eso es algo que nunca deja de sorprenderme. Gracias a todas las personas que escuchan mi música, y también a la SCD y a la AIE por hacer posible esta iniciativa. Gracias por hacer que estas canciones sigan encontrando nuevos caminos”.

AIEnRuta nació hace más de una década con el objetivo de fortalecer la circulación de artistas entre ambos países y abrir nuevas oportunidades para la música iberoamericana. Tras varias ediciones exitosas, el programa debió suspender sus actividades en 2020 debido a la pandemia del Covid-19. Su regreso representa un nuevo impulso para la movilidad internacional de músicos independientes y para la consolidación de redes de colaboración entre Chile y España.

Mientras Cancamusa prepara su desembarco en Europa, la organización adelantó que próximamente revelará las fechas de la gira chilena de El Nido, completando así el intercambio artístico que caracteriza a AIEnRuta. Las entradas para los conciertos de la artista nacional en España ya se encuentran disponibles a través de las plataformas oficiales de cada recinto y en su sitio web, marcando el inicio de una nueva etapa para un programa que busca seguir proyectando el talento chileno más allá de las fronteras.

La música chilena celebró su mejor noche entre leyendas y nuevas voces

La música chilena volvió a tomarse el escenario con una ceremonia que mezcló emoción, diversidad sonora y varias señales sobre hacia dónde se está moviendo la escena local. La duodécima edición de los Premios Pulsar cerró una intensa semana de celebraciones con una gala transmitida desde TVN, donde artistas consagrados y nuevas voces compartieron protagonismo en una de las vitrinas más importantes para la industria musical nacional.

Entre los nombres que marcaron la jornada destacó Mon Laferte, quien desde México se hizo presente con una presentación especialmente preparada en el marco de su gira Femme Fatale. La artista terminó consolidándose como una de las grandes triunfadoras de la edición 2026 tras obtener los reconocimientos a Intérprete Vocal del Año y Mejor Álbum Pop, reafirmando un vínculo creativo con Chile que sigue vigente pese a la distancia geográfica.

Pero la noche también dejó espacio para una nueva generación de proyectos que están redefiniendo los límites de la música nacional. La banda Candelabro confirmó el impacto de su álbum Deseo, Carne y Voluntad, adjudicándose dos de las categorías más relevantes de la ceremonia: Mejor Álbum Rock y Álbum del Año. El reconocimiento consolida a una agrupación que en los últimos años ha ganado notoriedad gracias a una propuesta experimental, intensa y alejada de las fórmulas tradicionales de la industria.

La diversidad de géneros volvió a ser uno de los sellos de los Premios Pulsar. Mientras Camila Moreno fue distinguida como Mejor Cantautora, Chicarica se quedó con el reconocimiento a Mejor Álbum de Música Electrónica y Engrupid Pipol se impuso en la categoría Metal. Por su parte, Alanys Lagos logró una de las victorias más comentadas de la noche al quedarse con el premio a Mejor Álbum Ranchera y también con el galardón de Artista del Público, respaldada por más de 26 mil votos.

Las presentaciones en vivo funcionaron como una radiografía de la amplitud musical que hoy convive en Chile. Desde el homenaje sinfónico al legado de Víctor Jara interpretado por la Orquesta Clásica y el Coro Sinfónico de la Usach, hasta el cierre urbano de Sinaka, la ceremonia transitó por distintas generaciones y estéticas. También destacaron los shows de De Saloon, que celebró 25 años de carrera, y Javiera Mena, quien adelantó parte del espíritu nostálgico que marcará su próximo gran concierto en el Movistar Arena.

Más allá de los premios, la gala volvió a instalar una idea que se repite año tras año: la música chilena atraviesa un momento de expansión creativa donde conviven el pop, el rock, la electrónica, la música tropical y los sonidos urbanos. Una escena que ya no depende exclusivamente de los grandes circuitos comerciales y que encuentra nuevas audiencias dentro y fuera del país. Como resumió Rodrigo Osorio, presidente de la SCD: “vivimos nuevamente una verdadera fiesta de la música chilena, con shows únicos e irrepetibles, y con ganadores y ganadoras que verdaderamente dan cuenta de lo potente que es nuestra escena en todos sus géneros. Da un orgullo enorme ver a este evento así de grande, consolidado por lejos como la gran ceremonia de nuestra música, y eso es también una responsabilidad para nosotros, que debemos preocuparnos de que los Premios Pulsar se sigan proyectando como un hito ineludible de la música y la cultura en Chile”.

Lolla Love expande la escena con identidad y comunidad

En un festival que cada año redefine su escala, Lolla Love regresa en 2026 como uno de los espacios más significativos dentro de Lollapalooza Chile. Bajo el concepto “La diversidad que nos une”, esta plataforma reafirma su compromiso con la inclusión, el respeto y la celebración del amor en todas sus formas, construyendo un territorio donde convergen mujeres, disidencias, pueblos originarios y múltiples comunidades que entienden la cultura como un ejercicio de presencia y memoria activa.

Durante los tres días de festival, Lolla Love será un punto de cruce entre música, arte y diálogo. La programación 2026 integra una escena diversa que combina artistas emergentes y consolidados, entre ellos Q ARE, Lulú Jam, 22Ruzz, MC Millaray, Amikira, Nekki, Le Fruto, Barbacius, Quediostesalve, Velem, Matiah Eme, Cheska Liz, Angel Flow, Ali Isabella e Ignacio Ruiz. Más que un listado de nombres, el cartel funciona como una radiografía del pulso creativo actual, donde distintas sensibilidades conviven sin jerarquías forzadas.

En ese paisaje sonoro, la propuesta de Nekki se instala con una identidad clara: combativa y contestataria, pero atravesada por soul, flow y una energía luminosa que transforma la denuncia en celebración colectiva. Como artista afrodescendiente, su presencia dialoga con la dimensión política de Lolla Love, aportando un discurso que no pierde ritmo ni alegría. Por su parte, Le Fruto representa otro tipo de resistencia, más silenciosa pero persistente. Con más de 15 años de trayectoria en el circuito under, su propuesta experimental ha sabido mantenerse al margen de las fórmulas, construyendo una carrera coherente que encuentra en este espacio un escenario natural para expandirse.

El line up se complementa con DJs como Yeimy, Kit Kat, Pagano, Nizer, Mariklonas, Star Joa Bluberry, Papi Yorsh, Pali y Don Diego de Noche, además de la participación de House of Venti y House of Trinity como hosts oficiales, integrando shows de drags y ballroom con artistas como Skyla Mayla, Baby Angel e Indómita Babes Drag. El stand up, a cargo de Cata Jaque, Lunamor y El Omi, suma otra capa expresiva a un espacio que entiende la performance como lenguaje político y cultural.

Más allá de la música, Lolla Love 2026 profundiza su dimensión social con la presencia de organizaciones como Fundación Iguales, Ingeniosas, Amar Migrar (PAM) y otras iniciativas que contarán con stands interactivos para visibilizar su trabajo. A esto se suma la intervención del artista visual Diego Candia, quien liderará una expo participativa con un “muro musical” que combinará retratos e intervenciones colectivas, invitando al público a ser parte activa de la experiencia. Paneles de conversación, talleres y testeos gratuitos de VIH en alianza con la Universidad de Chile completan una programación que trasciende el escenario.

Fundado en 1991 por Perry Farrell, Lollapalooza marcó un antes y un después en la cultura festivalera al fusionar música, arte y activismo. Más de tres décadas después, su edición chilena mantiene esa vocación expansiva, entendiendo que un festival masivo también puede ser un espacio de representación y conversación.

En un contexto donde la cultura se debate entre la espectacularidad y el contenido, Lolla Love vuelve a apostar por lo segundo sin renunciar a lo primero. Un espacio donde distintas trayectorias, como las de Nekki y Le Fruto, conviven con nuevas voces y discursos, confirmando que la diversidad no es tendencia pasajera, sino una forma de construir futuro desde el escenario.

Los Jaivas celebran 45 años de Alturas de Macchu Picchu con cine al aire libre

Hay obras que no envejecen porque no pertenecen a una época, sino a un pulso más profundo. A 45 años del lanzamiento de Alturas de Macchu Picchu, Los Jaivas volverán a activar ese cruce entre música, poesía y memoria con un encuentro abierto y gratuito en Peñalolén, donde presentarán la película documental homónima en un evento al aire libre que promete ser mucho más que una simple exhibición cinematográfica.

La cita será en el Centro Ceremonial de Pueblos Originarios de Peñalolén, un espacio cargado de simbolismo cultural y patrimonial, elegido no al azar para esta conmemoración. Allí, cine, música y territorio dialogarán en una experiencia pensada como un acto comunitario, en sintonía con el espíritu colectivo que ha marcado la trayectoria de la banda chilena más internacional de nuestra historia reciente.

El evento marcará, además, un momento clave para los seguidores del grupo. En esta instancia, Los Jaivas anunciarán oficialmente las fechas, ciudades y el inicio de la venta de entradas de la gira nacional e internacional que se desarrollará entre 2026 y 2027, un recorrido que volverá a poner en circulación una obra fundamental del cancionero latinoamericano y que dialoga, hoy más que nunca, con las urgencias culturales del presente.

La actividad del 4 de febrero es producida por 4Parlantes y cuenta con la colaboración de la Municipalidad de Peñalolén, consolidándose como una iniciativa abierta a la comunidad y pensada para el encuentro ciudadano. La elección del formato gratuito y al aire libre refuerza una idea que atraviesa toda la obra de Los Jaivas: la música como patrimonio vivo, accesible y compartido.

El documental Alturas de Macchu Picchu es un registro histórico de la presentación que la banda realizó en las ruinas incas de Machu Picchu, instancia que dio vida al disco que musicaliza los poemas de Pablo Neruda. Dirigida por Reinaldo Sepúlveda, la película será exhibida en esta ocasión en una versión remasterizada, ofreciendo una experiencia visual y sonora renovada, acorde a los estándares actuales, pero sin perder la fuerza ritual de su origen.

Durante la jornada, los integrantes de Los Jaivas estarán presentes para compartir con el público, generando un espacio de cercanía poco habitual para una banda de esta magnitud. Más que un show, el encuentro se plantea como un acto de memoria activa, donde la obra dialoga con nuevas generaciones y se resignifica desde el aquí y el ahora.

El evento también contará con una feria y muestra de organizaciones indígenas que forman parte del Centro Ceremonial de Pueblos Originarios de Peñalolén, reforzando el vínculo entre la obra, los pueblos originarios y el territorio que acoge esta actividad. Una capa adicional de sentido que conecta el legado de Neruda, la música de Los Jaivas y las raíces culturales que atraviesan la historia del continente.

La convocatoria está fijada para las 20:00 horas y el ingreso será por orden de llegada. Una invitación abierta a reunirse bajo las estrellas, a escuchar, mirar y recordar, en un gesto que confirma que Alturas de Macchu Picchu no es solo un disco o una película, sino un rito que sigue vivo.

Pulsar 2025 confirma su sitial como el epicentro de la música en Chile

La Feria Pulsar 2025 bajó el telón con la contundencia de un evento que sabe exactamente lo que representa: una vitrina de industria, un punto de encuentro cultural y un termómetro emocional para entender en qué está la música chilena hoy. En su edición número quince, el encuentro organizado por SCD no solo celebró años, sino también una evolución que se siente en el aire. Este domingo, la jornada final explotó en ritmos que cruzaron generaciones, géneros y memorias colectivas, dejando claro por qué este evento ya es parte del ADN musical del país.

La tarde abrió con uno de esos momentos que solo Pulsar puede articular: Quilapayún, con más de seis décadas de historia, transformó el escenario Santander en un coro transversal donde convivieron adolescentes, adultos jóvenes y veteranos de la canción política. “El pueblo unido” y “La muralla” resonaron con la misma fuerza que en los tiempos duros, pero ahora bajo nuevas lecturas y un público que sigue encontrando refugio y resistencia en esas letras. A esa intensidad le siguió un cierre cargado de luminosidad pop con el regreso de Dënver, quienes retomaron el mando con una puesta en escena precisa, estética y emocionante, repasando hits como “Revista de gimnasia”, “Los adolescentes” y “Los vampiros”, confirmando que su imaginario sigue completamente vigente en la escena local.

Mientras el Santander vibraba en esa dualidad entre historia y futuro, el escenario SCD vivía otro clímax. Ana Tijoux, en una presentación afilada y sobria, reafirmó su poder escénico frente a un público que la recibió como una de las figuras más queridas ─y respetadas─ del panorama nacional. Sus interpretaciones de “1977” y “Sacar la voz” fueron coreadas con fervor, pero el momento que tensó la fibra emocional fue “La rosa de los vientos”, un guiño a Makiza que se sintió como un puente directo entre pasado y presente. Tijoux no solo ofreció un concierto, sino una declaración de estilo, conciencia y oficio.

El cierre dominical, sin embargo, no se limitó a los nombres grandes. Bandas como Electrodomésticos, Yajaira, Niños del Cerro, Chinoy, La Ciencia Simple y Catalina y las Bordonas de Oro entregaron capas esenciales a la narrativa del día, construyendo esa mezcla única entre underground, clásicos de culto y nuevas corrientes. A su alrededor, la feria se movió entre talleres, firmas de discos, paneles y encuentros creativos que convirtieron Espacio Riesco en una ciudad musical por tres días. Actividades como la charla “Del ensayo al escritorio: cómo se graba un Tiny Desk”, protagonizada por parte del equipo detrás del fenómeno de 31 Minutos, o la íntima sesión “Creación de letras con Pedropiedra”, funcionaron como pequeños laboratorios donde se compartieron métodos, experiencias y aprendizajes.

Luego del apagado de escenario y la última salida de público, Rodrigo Osorio, presidente de SCD, destacó el espíritu que atravesó toda la edición. “Estamos realmente felices con lo que vivimos en estos tres días, porque vimos a una industria de la música compenetrada, con ganas de remar juntos y entender mejor los desafíos de este ecosistema que entre todos impulsamos. Pero lo mejor de todo es que la gente también ha entendido de qué se trata este evento, que es mucho más que un cartel digno de un festival. Acá se vive la música en toda su dimensión y la audiencia ha sido parte de eso, tanto los fans habituales de Pulsar, como las nuevas generaciones que en esta edición se integraron”, señaló. Ese cruce intergeneracional se transformó en uno de los sellos más nítidos de la versión 2025.

En total, fueron 37 conciertos los que dieron forma al corazón de esta edición, con nombres tan diversos como Javiera Mena, Saiko, De Saloon, FaceBrooklyn, Joe Vasconcellos, Francisco Victoria y Panico, una línea curatorial que confirmó el estado expansivo de la escena nacional. A eso se sumaron decenas de actividades formativas, lanzamientos, mesas de conversación y la presencia estelar de Humberto Gatica, uno de los productores chilenos más influyentes del circuito global. Con su cierre, Pulsar reafirmó por qué hoy es uno de los hitos culturales y de industria más relevantes del país: una plataforma que contiene pasado, presente y futuro sin perder su identidad colectiva.

Macha y El Bloque Depresivo llevan su melancolía del puerto al coloso de Ñuñoa

A veces, antes de un salto monumental, hay que volver al origen. Eso es exactamente lo que harán Macha y El Bloque Depresivo este diciembre, cuando se presenten en dos conciertos íntimos en el Teatro Municipal de Valparaíso los días 17 y 18. Serán noches cargadas de simbolismo en una ciudad que no solo forma parte de su geografía emocional, sino también de la estética bohemia y melancólica que ha acompañado al grupo desde sus primeras tocatas porteñas.

El anuncio se da en la antesala de su desafío más grande hasta ahora: el primer concierto de El Bloque Depresivo en el Estadio Nacional, este sábado 20 de diciembre. Se trata de un hito que no solo confirma la vigencia del proyecto, sino también su expansión desde las peñas, los bares y los teatros pequeños hasta uno de los escenarios más relevantes del país. Un viaje que, en su propia lógica, requiere detenerse en Valparaíso, respirar su humedad salada y reencontrarse con el público que ha llorado, amado y sanado con su música.

A este conjunto de novedades se suma otro anuncio que viene alimentando la conversación en redes: el lanzamiento de “Turista”, el nuevo single interpretado por Bad Bunny, estrenado el viernes 28 de noviembre. El tema llega como una pieza inesperada dentro del universo emocional del Bloque Depresivo, ampliando los cruces musicales y reafirmando la estética híbrida que caracteriza al proyecto. “Turista” entra al repertorio como una extensión del imaginario de pena, memoria y cariño latinoamericano que la banda ha cultivado durante años.

El retorno a Valparaíso no es un gesto nostálgico, sino una declaración estética. En el Teatro Municipal, la banda prepara dos jornadas que serán más cercanas, más sudorosas, más humanas. Un espacio donde la voz de Macha se entrelaza con la vulnerabilidad de un público que se reconoce en canciones como Continentales, Isla de errores, Mar de mares y De quererte así. El repertorio mezclará composiciones originales y versiones que han cruzado fronteras, resonando en públicos de distintos países que encuentran en su sonido una mezcla única de bolero desgarrado, vals latinoamericano y una sensibilidad profundamente popular.

Tres días más tarde, el Estadio Nacional recibirá un concierto que promete transformarse en rito colectivo. Será la primera vez que El Bloque Depresivo tome posesión del coloso de Ñuñoa, en una noche que se proyecta como un homenaje a la pérdida y al amor, pero también a la memoria musical del continente. Un show agendado para las 20:00 horas que no apunta a la épica vacía, sino a la emoción desnuda: a ese sentimiento que hace que miles de personas canten con los ojos cerrados mientras la voz de Macha se quiebra a propósito, por necesidad.

La trilogía de fechas —dos noches íntimas en Valparaíso y un estadio lleno en Santiago— marca un punto de inflexión en la historia del Bloque Depresivo. No es solo un capítulo más, sino la confirmación de un fenómeno cultural que ha sabido crecer desde la penumbra del puerto hasta la inmensidad de un recinto que guarda la memoria emocional del país.

El nuevo espacio de Disquería Chilena celebra la conexión física con la música

Septiembre no solo trae celebraciones patrias, también viene acompañado de una noticia que entusiasma a los melómanos locales. La Disquería Chilena, reconocida como la principal tienda dedicada a difundir y preservar la obra de artistas nacionales, abrió oficialmente su nuevo local en el Mercado Urbano Tobalaba (MUT), consolidándose como un punto de encuentro para quienes buscan un vínculo más cercano y tangible con la música.

La mudanza desde su anterior ubicación en Providencia responde a la necesidad de potenciar la experiencia del público. En el MUT, espacio que ha ganado relevancia como motor del comercio capitalino gracias a su propuesta innovadora, la tienda se presenta como una isla de sonidos que invita a detenerse, hojear, escuchar y disfrutar sin apuro. El diseño estuvo a cargo de Bravo Estudio, que pensó en un espacio amplio y continuo, con ambientes que transmiten calma y dedicación a cada detalle del universo musical.

Rodrigo Osorio, presidente de SCD, líder de Sinergia y coleccionista de vinilos, destacó el impacto de esta apertura para la escena nacional. “Como melómano, uno realmente se siente a gusto en un lugar como éste, que parece estar pensado en quienes amamos los formatos físicos, y que nos gusta revisar estanterías con tiempo, observando portadas, leyendo créditos y escuchando el material. Siento mucho orgullo de que, como SCD, hayamos podido dar este salto con la Disquería Chilena, un proyecto al que queremos mucho, porque adquirir un disco y escucharlo en casa, va a ser siempre la expresión más pura del vínculo con un artista y de la valoración por su trabajo”, comentó.

Además de un catálogo robusto de vinilos, casetes, CDs, libros y merchandising de música chilena, la disquería ofrece zonas de escucha, tocatas, firmas de discos y espacios de descanso que refuerzan la experiencia sensorial y social en torno a la música. La apuesta no es solo comercial, sino también cultural, al instalar un espacio de encuentro para distintas generaciones en un momento en que el formato físico cobra un valor renovado en plena era digital.

Inmersión de Javiera Mena llega al Teatro Municipal

El próximo 28 de diciembre, Javiera Mena volverá al histórico Teatro Municipal de Santiago para ofrecer un concierto exclusivo que marcará uno de los hitos de su carrera. Tras un año definido por el lanzamiento de Inmersión, su más reciente álbum, la artista chilena se reencontrará con su público en un escenario cargado de simbolismo, en una velada que busca unir tradición y vanguardia.

“Es un gran honor volver para presentar Inmersión, con arreglos y una puesta en escena especial para el show. Después de un año muy emocionante para mi carrera, compartir este momento con ustedes, en un escenario tan emblemático, será único y especial”, expresó la cantautora, anticipando la relevancia personal y artística de la cita.

El espectáculo permitirá disfrutar en vivo las diez canciones que dan vida a Inmersión, un relato íntimo que explora la vulnerabilidad y la profundidad de los sentimientos con un enfoque poético y contemporáneo. La presentación incluirá además un octeto de cuerdas que subrayará la riqueza sonora del disco. “Será el lugar para exhibir esa parte en vivo y en directo, de manera de poder explayarnos”, explicó Mena, subrayando la importancia de mostrar en directo los arreglos orquestales de la producción.

El último año ha consolidado a Javiera Mena como una de las voces más influyentes de la música chilena actual. A las positivas críticas de Inmersión se suma el éxito de su show sold-out en el Teatro Caupolicán, además de su constante presencia en plataformas digitales, donde sus canciones siguen conectando con distintas audiencias. El regreso al Municipal no solo promete un espectáculo de alta factura, sino también un encuentro generacional en torno a una artista que ha sabido construir un puente entre la electrónica, el pop y la experimentación musical.

Con esta presentación, Javiera Mena reafirma su lugar en la escena latinoamericana y ofrece una experiencia inmersiva que combina lo íntimo con lo monumental. Un concierto que, más que un regreso, se perfila como un nuevo punto de partida.

FaceBrooklyn y Nsqk exploran el adiós en su nueva canción

FaceBrooklyn vuelve a emocionar con no voy a estar mañana, un nuevo single cargado de nostalgia y sinceridad que adelanta el esperado lanzamiento de su próximo álbum no somos iguales. Esta vez lo hace en compañía del mexicano Nsqk, uno de los nombres más sólidos de la escena alternativa latinoamericana, en una colaboración que mezcla indie pop, pulsos urbanos y una narrativa íntima sobre el final de un amor que ya no tiene vuelta.

Fiel a su estilo, el artista chileno apuesta por una estructura libre y arriesgada, sin ajustarse a las fórmulas convencionales del pop. “Cuando la escuchaba con Taiko, nos imaginábamos el cielo, ángeles, recuerdos, pensamientos… ni siquiera sé qué género es, pero me encanta”, señala FaceBrooklyn, quien con esta canción se aleja aún más de las etiquetas, consolidando su identidad sonora. La pieza viene a suceder al sencillo amarte fuerte, y destaca por una progresión emocional más que estructural.

La participación de Nsqk, a quien Face admira desde hace tiempo, marca el cierre de un ciclo y a la vez el inicio de una etapa mayor. “Fue de las primeras canciones que hicimos, el mismo día que sssubelo, pero con una vibra totalmente distinta. Es mi primera colaboración en mi propio catálogo este año, y me encanta que sea con alguien como Nsqk”, confiesa el músico. Así se suma a una lista de featurings que ya incluye nombres como AKRIILA, Taiko, Easykid y DrefQuila, posicionándolo en el epicentro de una generación que se reinventa desde el margen.

El segundo semestre promete ser clave. FaceBrooklyn se alista para un anuncio en vivo que acompañará el estreno del LP no somos iguales, con conciertos completamente renovados. “Me he estado guardando para este momento. Siento que este disco es un antes y un después, no solo para mí, también para mis compañeros y mis fans. Cuando lo escucho, ni siquiera me lo creo”, dice, anticipando una transformación artística que se sentirá tanto en el estudio como sobre el escenario.

Con esta última entrega antes del álbum, FaceBrooklyn reafirma su lugar en la nueva ola latinoamericana. No voy a estar mañana es un peldaño emocional, un adiós que anuncia el comienzo de algo mucho más grande.