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Pulsar 2025 confirma su sitial como el epicentro de la música en Chile

La Feria Pulsar 2025 bajó el telón con la contundencia de un evento que sabe exactamente lo que representa: una vitrina de industria, un punto de encuentro cultural y un termómetro emocional para entender en qué está la música chilena hoy. En su edición número quince, el encuentro organizado por SCD no solo celebró años, sino también una evolución que se siente en el aire. Este domingo, la jornada final explotó en ritmos que cruzaron generaciones, géneros y memorias colectivas, dejando claro por qué este evento ya es parte del ADN musical del país.

La tarde abrió con uno de esos momentos que solo Pulsar puede articular: Quilapayún, con más de seis décadas de historia, transformó el escenario Santander en un coro transversal donde convivieron adolescentes, adultos jóvenes y veteranos de la canción política. “El pueblo unido” y “La muralla” resonaron con la misma fuerza que en los tiempos duros, pero ahora bajo nuevas lecturas y un público que sigue encontrando refugio y resistencia en esas letras. A esa intensidad le siguió un cierre cargado de luminosidad pop con el regreso de Dënver, quienes retomaron el mando con una puesta en escena precisa, estética y emocionante, repasando hits como “Revista de gimnasia”, “Los adolescentes” y “Los vampiros”, confirmando que su imaginario sigue completamente vigente en la escena local.

Mientras el Santander vibraba en esa dualidad entre historia y futuro, el escenario SCD vivía otro clímax. Ana Tijoux, en una presentación afilada y sobria, reafirmó su poder escénico frente a un público que la recibió como una de las figuras más queridas ─y respetadas─ del panorama nacional. Sus interpretaciones de “1977” y “Sacar la voz” fueron coreadas con fervor, pero el momento que tensó la fibra emocional fue “La rosa de los vientos”, un guiño a Makiza que se sintió como un puente directo entre pasado y presente. Tijoux no solo ofreció un concierto, sino una declaración de estilo, conciencia y oficio.

El cierre dominical, sin embargo, no se limitó a los nombres grandes. Bandas como Electrodomésticos, Yajaira, Niños del Cerro, Chinoy, La Ciencia Simple y Catalina y las Bordonas de Oro entregaron capas esenciales a la narrativa del día, construyendo esa mezcla única entre underground, clásicos de culto y nuevas corrientes. A su alrededor, la feria se movió entre talleres, firmas de discos, paneles y encuentros creativos que convirtieron Espacio Riesco en una ciudad musical por tres días. Actividades como la charla “Del ensayo al escritorio: cómo se graba un Tiny Desk”, protagonizada por parte del equipo detrás del fenómeno de 31 Minutos, o la íntima sesión “Creación de letras con Pedropiedra”, funcionaron como pequeños laboratorios donde se compartieron métodos, experiencias y aprendizajes.

Luego del apagado de escenario y la última salida de público, Rodrigo Osorio, presidente de SCD, destacó el espíritu que atravesó toda la edición. “Estamos realmente felices con lo que vivimos en estos tres días, porque vimos a una industria de la música compenetrada, con ganas de remar juntos y entender mejor los desafíos de este ecosistema que entre todos impulsamos. Pero lo mejor de todo es que la gente también ha entendido de qué se trata este evento, que es mucho más que un cartel digno de un festival. Acá se vive la música en toda su dimensión y la audiencia ha sido parte de eso, tanto los fans habituales de Pulsar, como las nuevas generaciones que en esta edición se integraron”, señaló. Ese cruce intergeneracional se transformó en uno de los sellos más nítidos de la versión 2025.

En total, fueron 37 conciertos los que dieron forma al corazón de esta edición, con nombres tan diversos como Javiera Mena, Saiko, De Saloon, FaceBrooklyn, Joe Vasconcellos, Francisco Victoria y Panico, una línea curatorial que confirmó el estado expansivo de la escena nacional. A eso se sumaron decenas de actividades formativas, lanzamientos, mesas de conversación y la presencia estelar de Humberto Gatica, uno de los productores chilenos más influyentes del circuito global. Con su cierre, Pulsar reafirmó por qué hoy es uno de los hitos culturales y de industria más relevantes del país: una plataforma que contiene pasado, presente y futuro sin perder su identidad colectiva.

Macha y El Bloque Depresivo llevan su melancolía del puerto al coloso de Ñuñoa

A veces, antes de un salto monumental, hay que volver al origen. Eso es exactamente lo que harán Macha y El Bloque Depresivo este diciembre, cuando se presenten en dos conciertos íntimos en el Teatro Municipal de Valparaíso los días 17 y 18. Serán noches cargadas de simbolismo en una ciudad que no solo forma parte de su geografía emocional, sino también de la estética bohemia y melancólica que ha acompañado al grupo desde sus primeras tocatas porteñas.

El anuncio se da en la antesala de su desafío más grande hasta ahora: el primer concierto de El Bloque Depresivo en el Estadio Nacional, este sábado 20 de diciembre. Se trata de un hito que no solo confirma la vigencia del proyecto, sino también su expansión desde las peñas, los bares y los teatros pequeños hasta uno de los escenarios más relevantes del país. Un viaje que, en su propia lógica, requiere detenerse en Valparaíso, respirar su humedad salada y reencontrarse con el público que ha llorado, amado y sanado con su música.

A este conjunto de novedades se suma otro anuncio que viene alimentando la conversación en redes: el lanzamiento de “Turista”, el nuevo single interpretado por Bad Bunny, estrenado el viernes 28 de noviembre. El tema llega como una pieza inesperada dentro del universo emocional del Bloque Depresivo, ampliando los cruces musicales y reafirmando la estética híbrida que caracteriza al proyecto. “Turista” entra al repertorio como una extensión del imaginario de pena, memoria y cariño latinoamericano que la banda ha cultivado durante años.

El retorno a Valparaíso no es un gesto nostálgico, sino una declaración estética. En el Teatro Municipal, la banda prepara dos jornadas que serán más cercanas, más sudorosas, más humanas. Un espacio donde la voz de Macha se entrelaza con la vulnerabilidad de un público que se reconoce en canciones como Continentales, Isla de errores, Mar de mares y De quererte así. El repertorio mezclará composiciones originales y versiones que han cruzado fronteras, resonando en públicos de distintos países que encuentran en su sonido una mezcla única de bolero desgarrado, vals latinoamericano y una sensibilidad profundamente popular.

Tres días más tarde, el Estadio Nacional recibirá un concierto que promete transformarse en rito colectivo. Será la primera vez que El Bloque Depresivo tome posesión del coloso de Ñuñoa, en una noche que se proyecta como un homenaje a la pérdida y al amor, pero también a la memoria musical del continente. Un show agendado para las 20:00 horas que no apunta a la épica vacía, sino a la emoción desnuda: a ese sentimiento que hace que miles de personas canten con los ojos cerrados mientras la voz de Macha se quiebra a propósito, por necesidad.

La trilogía de fechas —dos noches íntimas en Valparaíso y un estadio lleno en Santiago— marca un punto de inflexión en la historia del Bloque Depresivo. No es solo un capítulo más, sino la confirmación de un fenómeno cultural que ha sabido crecer desde la penumbra del puerto hasta la inmensidad de un recinto que guarda la memoria emocional del país.

El nuevo espacio de Disquería Chilena celebra la conexión física con la música

Septiembre no solo trae celebraciones patrias, también viene acompañado de una noticia que entusiasma a los melómanos locales. La Disquería Chilena, reconocida como la principal tienda dedicada a difundir y preservar la obra de artistas nacionales, abrió oficialmente su nuevo local en el Mercado Urbano Tobalaba (MUT), consolidándose como un punto de encuentro para quienes buscan un vínculo más cercano y tangible con la música.

La mudanza desde su anterior ubicación en Providencia responde a la necesidad de potenciar la experiencia del público. En el MUT, espacio que ha ganado relevancia como motor del comercio capitalino gracias a su propuesta innovadora, la tienda se presenta como una isla de sonidos que invita a detenerse, hojear, escuchar y disfrutar sin apuro. El diseño estuvo a cargo de Bravo Estudio, que pensó en un espacio amplio y continuo, con ambientes que transmiten calma y dedicación a cada detalle del universo musical.

Rodrigo Osorio, presidente de SCD, líder de Sinergia y coleccionista de vinilos, destacó el impacto de esta apertura para la escena nacional. “Como melómano, uno realmente se siente a gusto en un lugar como éste, que parece estar pensado en quienes amamos los formatos físicos, y que nos gusta revisar estanterías con tiempo, observando portadas, leyendo créditos y escuchando el material. Siento mucho orgullo de que, como SCD, hayamos podido dar este salto con la Disquería Chilena, un proyecto al que queremos mucho, porque adquirir un disco y escucharlo en casa, va a ser siempre la expresión más pura del vínculo con un artista y de la valoración por su trabajo”, comentó.

Además de un catálogo robusto de vinilos, casetes, CDs, libros y merchandising de música chilena, la disquería ofrece zonas de escucha, tocatas, firmas de discos y espacios de descanso que refuerzan la experiencia sensorial y social en torno a la música. La apuesta no es solo comercial, sino también cultural, al instalar un espacio de encuentro para distintas generaciones en un momento en que el formato físico cobra un valor renovado en plena era digital.

Inmersión de Javiera Mena llega al Teatro Municipal

El próximo 28 de diciembre, Javiera Mena volverá al histórico Teatro Municipal de Santiago para ofrecer un concierto exclusivo que marcará uno de los hitos de su carrera. Tras un año definido por el lanzamiento de Inmersión, su más reciente álbum, la artista chilena se reencontrará con su público en un escenario cargado de simbolismo, en una velada que busca unir tradición y vanguardia.

“Es un gran honor volver para presentar Inmersión, con arreglos y una puesta en escena especial para el show. Después de un año muy emocionante para mi carrera, compartir este momento con ustedes, en un escenario tan emblemático, será único y especial”, expresó la cantautora, anticipando la relevancia personal y artística de la cita.

El espectáculo permitirá disfrutar en vivo las diez canciones que dan vida a Inmersión, un relato íntimo que explora la vulnerabilidad y la profundidad de los sentimientos con un enfoque poético y contemporáneo. La presentación incluirá además un octeto de cuerdas que subrayará la riqueza sonora del disco. “Será el lugar para exhibir esa parte en vivo y en directo, de manera de poder explayarnos”, explicó Mena, subrayando la importancia de mostrar en directo los arreglos orquestales de la producción.

El último año ha consolidado a Javiera Mena como una de las voces más influyentes de la música chilena actual. A las positivas críticas de Inmersión se suma el éxito de su show sold-out en el Teatro Caupolicán, además de su constante presencia en plataformas digitales, donde sus canciones siguen conectando con distintas audiencias. El regreso al Municipal no solo promete un espectáculo de alta factura, sino también un encuentro generacional en torno a una artista que ha sabido construir un puente entre la electrónica, el pop y la experimentación musical.

Con esta presentación, Javiera Mena reafirma su lugar en la escena latinoamericana y ofrece una experiencia inmersiva que combina lo íntimo con lo monumental. Un concierto que, más que un regreso, se perfila como un nuevo punto de partida.

FaceBrooklyn y Nsqk exploran el adiós en su nueva canción

FaceBrooklyn vuelve a emocionar con no voy a estar mañana, un nuevo single cargado de nostalgia y sinceridad que adelanta el esperado lanzamiento de su próximo álbum no somos iguales. Esta vez lo hace en compañía del mexicano Nsqk, uno de los nombres más sólidos de la escena alternativa latinoamericana, en una colaboración que mezcla indie pop, pulsos urbanos y una narrativa íntima sobre el final de un amor que ya no tiene vuelta.

Fiel a su estilo, el artista chileno apuesta por una estructura libre y arriesgada, sin ajustarse a las fórmulas convencionales del pop. “Cuando la escuchaba con Taiko, nos imaginábamos el cielo, ángeles, recuerdos, pensamientos… ni siquiera sé qué género es, pero me encanta”, señala FaceBrooklyn, quien con esta canción se aleja aún más de las etiquetas, consolidando su identidad sonora. La pieza viene a suceder al sencillo amarte fuerte, y destaca por una progresión emocional más que estructural.

La participación de Nsqk, a quien Face admira desde hace tiempo, marca el cierre de un ciclo y a la vez el inicio de una etapa mayor. “Fue de las primeras canciones que hicimos, el mismo día que sssubelo, pero con una vibra totalmente distinta. Es mi primera colaboración en mi propio catálogo este año, y me encanta que sea con alguien como Nsqk”, confiesa el músico. Así se suma a una lista de featurings que ya incluye nombres como AKRIILA, Taiko, Easykid y DrefQuila, posicionándolo en el epicentro de una generación que se reinventa desde el margen.

El segundo semestre promete ser clave. FaceBrooklyn se alista para un anuncio en vivo que acompañará el estreno del LP no somos iguales, con conciertos completamente renovados. “Me he estado guardando para este momento. Siento que este disco es un antes y un después, no solo para mí, también para mis compañeros y mis fans. Cuando lo escucho, ni siquiera me lo creo”, dice, anticipando una transformación artística que se sentirá tanto en el estudio como sobre el escenario.

Con esta última entrega antes del álbum, FaceBrooklyn reafirma su lugar en la nueva ola latinoamericana. No voy a estar mañana es un peldaño emocional, un adiós que anuncia el comienzo de algo mucho más grande.

Sarazul presenta META y abraza el renacer desde el caos

En un momento donde mirar hacia atrás se vuelve inevitable antes de avanzar, Sarazul; el proyecto de la cantante y compositora chilena Francisca Guzmán, lanza META, su nuevo EP y el primer material original desde Mercurio 52 en 2020. Esta obra marca el inicio de un ciclo profundamente introspectivo, una declaración íntima en clave poética y sonora sobre transformación, pérdida y claridad. Más que un disco, META es un ejercicio de exorcismo emocional convertido en música.

Conformado por tres canciones, META refleja un proceso de cambio vital para su autora. “Crisálida” abre el EP como una inmersión en el dolor y la reconstrucción, inspirada en el encierro y la depresión vivida durante la pandemia. Luego llega “Quemas”, una pieza que emerge del naufragio emocional de una relación fracturada, donde el piano, las atmósferas y la voz de Sarazul dibujan la ruta hacia el reencuentro con lo esencial. El viaje concluye con “Diálogo Interno”, una composición cargada de lirismo confesional donde el yo se desdobla para escuchar(se), y donde la trompeta de Donsalo Fuckushima y los beats íntimos de MRVS amplifican la sensación de catarsis.

Este nuevo trabajo no solo marca un punto de inflexión en la discografía de Sarazul, sino también el comienzo de una nueva etapa artística que culminará con el lanzamiento de su próximo disco en noviembre. META es un manifiesto musical sobre el poder de sostenerse a través de la creación y sobre cómo incluso en los escombros emocionales florece la posibilidad de una nueva vida.

Marlon Breeze y Ana Tijoux coronan la era urbana de los Pulsar

Los Premios Pulsar 2024 vivieron su edición más expansiva hasta la fecha, culminando este domingo con una ceremonia en los estudios de TVN que reunió a lo más potente y diverso de la escena musical chilena. Durante una semana completa de celebraciones, la SCD convirtió a los Pulsar en una verdadera fiesta nacional de la música, con tributos, presentaciones en vivo y reconocimientos que reafirmaron el peso cultural y artístico del país.

La noche comenzó con un homenaje cargado de emoción a Tommy Rey, para luego dar paso a la entrega de los premios más esperados. Gepe se llevó sus primeras estatuillas Pulsar por UNDESASTRE y el hit Bolero Libra, mientras que Ana Tijoux volvió a lo más alto tras una década, coronándose con el Álbum del Año y Mejor Álbum de Rap, Reggae & R&B gracias a Vida, una obra que conecta su impronta política con un refinado universo sonoro. En el plano tropical, El Chibano repitió el plato con Familia, y Marlon Breeze se impuso en la categoría Mejor Álbum Urbano con Le Trap 4, marcando el pulso del trap chileno actual.

Otros momentos clave fueron el reconocimiento a Bailando Solo de Los Bunkers como la canción más tocada en radios, y la victoria de Gata Only de Floyy Menor y Cris Mj como la canción con mayor difusión digital, consolidando el impacto global del reggaetón y trap criollo. La categoría Artista del Público, en tanto, fue nuevamente para La Combo Tortuga, que se alzó con este galardón por cuarta vez, demostrando una fidelidad de fans única. Entre lo romántico, Catalina y Las Bordonas de Oro sorprendieron al imponerse ante pesos pesados con Presagio, y Pascuala Ilabaca, Electrodomésticos, Manuel García y Alanys Lagos completaron una noche que reflejó la amplitud del talento nacional.

Los shows en vivo también marcaron la jornada, destacando el encuentro de Jere Klein con la escena urbana, la fiesta pop-punk de Glup!, los 25 años de Saiko y los cruces generacionales entre Manuel García y Fernando Ubiergo. Con una escena más viva que nunca, los Pulsar no solo premiaron lo mejor del año, sino que evidenciaron un momento histórico para la música chilena, que ya no pide permiso y se mueve entre géneros con libertad, carácter y proyección internacional.

Premios Pulsar 2025 se renuevan con diversidad y memoria

La escena musical chilena afina los últimos detalles para su cita más esperada: los Premios Pulsar 2025. El próximo domingo 6 de julio, desde las 18:30 horas, los estudios de TVN se transformarán en el epicentro de una jornada que no solo premiará a lo más destacado de la música nacional, sino que además desplegará una serie de shows únicos, diseñados como postales irrepetibles de la diversidad y el cruce de estilos que caracterizan este galardón impulsado por la Sociedad Chilena de Autores e Intérpretes Musicales (SCD).

La ceremonia abrirá con un homenaje al fallecido ícono de la cumbia y el bolero, Tommy Rey. La Combo Tortuga, Luis Jara, Alanys Lagos y Karla Melo darán forma a este tributo dividido en dos actos, evocando la versatilidad y el carisma de Patricio Zúñiga, figura clave de la música popular chilena. La potencia femenina y el legado del rock estarán presentes a través de Saiko, que celebrará sus 25 años acompañado por Karla Grunewaldt y Masquemusica, evidenciando el puente entre generaciones y estilos que propone esta edición.

La cantautoría también tendrá su momento de encuentro intergeneracional con Fernando Ubiergo y Manuel García compartiendo escenario, en una colaboración que cruzará repertorios y sensibilidades guitarreras en clave íntima. Por otro lado, el pulso de la fiesta vendrá desde el pop y los ritmos urbanos, con Glup repasando sus clásicos con nuevos arreglos e invitados sorpresa, y el fenómeno Jere Klein, que no solo mostrará su repertorio trap, sino que sorprenderá con un inesperado salto a la salsa.

El presidente de la SCD, Rodrigo Osorio, destacó la madurez que ha alcanzado el evento tras una década de historia, consolidándose como una plataforma que no solo celebra lo mejor del año, sino que además genera encuentros artísticos inéditos. “Lo que se vive en este escenario muchas veces no se repite, y eso es parte del valor que le hemos dado a los shows”, señaló. Este año, además, los organizadores apostaron por un nuevo día y horario, buscando ampliar la audiencia y conectar con públicos diversos. “Queremos que la familia completa se conecte con la música chilena”, remarcó Osorio.

Los Premios Pulsar 2025 prometen ser, una vez más, un espejo vibrante de lo que está ocurriendo en la música hecha en Chile, entre homenajes, colaboraciones inesperadas y la energía de los nuevos sonidos que están redefiniendo el mapa sonoro nacional.

Quilapayún reinventa la Cantata Santa María con poder femenino en sus 60 años de historia

Una de las obras más emblemáticas de la música popular chilena vuelve al escenario con una nueva potencia. Quilapayún celebrará seis décadas de trayectoria con una versión inédita de la Cantata Santa María de Iquique, esta vez acompañada por un elenco vocal compuesto exclusivamente por destacadas artistas mujeres, en un gesto que busca resignificar la obra con una perspectiva actual, feminista y plural. Las funciones se realizarán el 17 de octubre en el Teatro Caupolicán de Santiago y el 19 en el Teatro Municipal de Viña del Mar.

La puesta en escena contará con la participación de Amaya Forch, María José Quintanilla, Elizabeth Morris, Magdalena Matthey, Ema Pinto, Colombina Parra y una intérprete aún por anunciar, quienes se suman al grupo fundacional para dar vida a esta pieza clave del repertorio de la Nueva Canción Chilena. El relato estará a cargo del actor Francisco Melo, en una versión que combinará lo teatral, lo musical y lo histórico en un mismo escenario. Además, se incluirán imágenes inéditas de la pampa salitrera, registradas especialmente para esta producción, lo que reforzará la conexión emocional y documental de la obra.

La Cantata Santa María de Iquique, compuesta por Luis Advis en 1970, revive la masacre de más de 300 trabajadores salitreros ocurrida el 21 de diciembre de 1907 en Iquique, cuando exigían mejores condiciones laborales. Se trata de un hito musical que ha trascendido generaciones por su mensaje de justicia social, dignidad y memoria histórica. En esta nueva edición, el mensaje se amplifica con las voces femeninas como acto político y artístico, en un momento donde las brechas de género en las artes siguen siendo evidentes.

No es la primera vez que esta versión con intérpretes mujeres toma protagonismo. Durante la pandemia, en 2020, Quilapayún estrenó la propuesta en formato digital, alcanzando más de 13 mil visualizaciones, lo que la convirtió en uno de los eventos culturales más vistos de ese periodo. Ahora, con público presencial, la agrupación pretende reactivar esa emoción colectiva y volver a poner en circulación una de sus obras más potentes, con una sensibilidad acorde a los tiempos.

En palabras de Quilapayún, este reencuentro con la cantata no es solo un homenaje a su propia historia, sino también una forma de amplificar nuevas voces que representan distintos estilos y territorios musicales. Esta mezcla entre tradición y renovación posiciona el evento como uno de los más relevantes de la cartelera cultural de 2025, reafirmando que la música de raíz no es una reliquia, sino una herramienta viva de resistencia y transformación social.

Las Pecadoras celebran 15 años con cueca, placer y revolución

Después de una década y media sacudiendo los escenarios con su cueca urbana de raíz feminista, Las Pecadoras lanzan su quinto disco La cueca de los placeres, una producción que explora el amor libre, la soberanía del cuerpo y el placer como acto político. Este nuevo trabajo es una declaración artística sobre la transformación y la libertad, atravesada por voces potentes, décimas bien plantadas y melodías que mezclan la cueca tradicional con sonidos arrabaleros, flamenco y elegancia callejera. Las canciones llevan nombres como reír, viajar, amar y vino, trazando un mapa íntimo de experiencias vitales que conectan el deseo con la resistencia.

Formadas en Melipilla, Daniela Meza y Claudia Ortiz han empuñado el pandero y la palabra con fuerza desde el 2010, instalándose en la escena chilena e internacional con presentaciones en espacios tan diversos como la ONU Mujeres, Villa Grimaldi, el Festival de Olmué y favelas de Brasil. Su música ha sido puente entre el arte popular y la memoria histórica, desafiando estereotipos de género y reivindicando figuras femeninas invisibilizadas por los relatos oficiales. En La cueca de los placeres, suman a su formación habitual una serie de colaboradoras que amplifican el mensaje: voces como Catalina Teresa, Caro López y Catártica Animal, además del arpa provocadora de Cachorro Arpa.

Las Pecadoras ya habían dejado huella con álbumes como A morder la manzana y Cuéntame una cueca, este último orientado a la educación no sexista desde la infancia. En cada uno de sus discos han levantado un cancionero incómodo y vital, donde la cueca es vehículo para nombrar y resistir. Este nuevo hito sonoro, grabado en Chano Records y con carátula ilustrada por Camilo Henríquez (Cabro Caramba), es también una invitación a bailar con convicción, a desear sin culpa y a politizar el goce en clave popular.