Música

Julieta Venegas y Ana Tijoux se reencuentran en Santiago para presentar Norteña

“Yo no pensaba ‘quiero hacer música, quiero ser cantante’. Yo quería ser compositora, y ni siquiera sabía bien lo que eso significaba”. La frase de Julieta Venegas resume buena parte del espíritu de Norteña. Memorias del comienzo, su primer libro, presentado este sábado 15 de agosto en el Centro Cultural La Moneda. Publicado por La Pollera Ediciones y presentado por la cantante chilena Ana Tijoux, el encuentro recorrió los primeros años de una carrera que terminó convirtiéndola en una de las voces más reconocibles de la música en español.

La presentación reunió música, literatura y memoria en una conversación que permitió a Venegas regresar a su infancia y juventud en Tijuana, su relación con Estados Unidos y el entorno familiar que terminó moldeando su sensibilidad artística. Antes de convertirse en solista, la mexicana pasó por bandas como Tijuana No!, mientras desarrollaba una identidad creativa que posteriormente desembocaría en discos fundamentales como Sí (2003) y Limón y sal (2006). Su más reciente álbum, Norteña, publicado en mayo de 2026, nació además en paralelo al proceso literario.

Desde el Centro Cultural La Moneda destacaron precisamente ese cruce entre disciplinas. “Recibir a Julieta Venegas presentando su primer libro es un privilegio para el Centro Cultural La Moneda. Estas instancias nos permiten tejer puentes entre distintas disciplinas, tal como lo hace Norteña, un libro que transita entre la música y la literatura. Abrir nuestros espacios a este tipo de conversaciones, convocando a lectores, fanáticos de la música y también a interesados en la cultura en general, es parte esencial de lo que buscamos, y sobre todo recibir a una cantante internacional de su talla dialoga con el plan de internacionalización que estamos ejecutando”, señaló Alejandra Valenzuela, directora ejecutiva de la institución.

La historia que Venegas reconstruye comienza mucho antes de los escenarios. Creció en una familia marcada por la sensibilidad artística: su padre y su hermana son fotógrafos, mientras que su madre fue una figura fundamental en su relación con la música. “Me inculcaron una cotidianidad con la música, un estar, un cantar todo el tiempo. Siento que mi relación con la música está muy enredada con la manera en cómo se escuchaba música en mi casa”, recordó durante la presentación.

Uno de los recuerdos que permanece con mayor fuerza es la llegada de su primer piano, cuando tenía apenas ocho años. “Entrar a la casa fue como wow, me impresionó. Y cuando me dijeron que era mío y que me lo podía quedar, ese momento nunca lo voy a olvidar”. A partir de ahí comenzó un camino que no estuvo marcado desde el principio por la certeza de convertirse en cantante, sino por la búsqueda de una manera propia de crear canciones.

Esa búsqueda también tuvo momentos de crisis. Venegas contó que durante casi un año escribió y descartó canciones hasta encontrar una respuesta en algo aparentemente cotidiano: la manera espontánea en que su madre cantaba. “Tuve una crisis muy fuerte. Me preguntaba qué tipo de canciones quería hacer, entonces ahí la conclusión fue, quiero generar esa reacción que ella tiene con las canciones cuando las canta sin pensar, así sin complicarse, cantando en el auto o lo que sea. Y entonces dije: esa es la canción que quiero hacer, y ese es el camino hacia donde me fui”.

El salto desde la composición musical hacia las memorias significó enfrentarse a un proceso completamente diferente. Si una canción puede nacer de un impulso y encontrar rápidamente una estructura, un libro exige volver sobre los recuerdos, revisarlos y enfrentarlos desde otra distancia. “Con las canciones escribo la música y la letra en un tiempo. Acá también, pero después lleva muchísimo rigor, mucha revisión. Creo que es 30% impulso, 70% corrección, y eso lo hace muy diferente”, explicó.

La escritura de Norteña se extendió durante aproximadamente dos años y estuvo acompañada por una sensación permanente de incertidumbre. “Sentí mucho vértigo. Todo el tiempo decía ‘me está costando, esto se acabó, no lo voy a poder hacer’”. Sin embargo, ese proceso terminó abriendo conversaciones familiares que hasta entonces habían quedado pendientes. Para Venegas, volver sobre su propia historia no fue solamente un ejercicio literario, sino también una forma de revisar vínculos y recuerdos desde el presente.

La experiencia incluso produjo una reacción inesperada en su hermana gemela. “Me dijo ‘es impresionante, siento que descubrí cosas de ti que no conocía’”. En ese sentido, el libro no funciona únicamente como archivo de una trayectoria musical de más de tres décadas, sino como una reconstrucción personal de los lugares, personas y momentos que precedieron a la artista que el público conoció posteriormente.

El encuentro en Santiago también sirvió para reafirmar el vínculo de Venegas con Chile, país al que dedicó palabras de afecto durante la jornada. El cierre fue musical y conectó directamente las distintas etapas de su carrera: interpretó “Tiempos dorados”, primer adelanto de su nuevo disco, y luego “Eres para mí” junto a Ana Tijoux, recuperando una colaboración que ambas artistas realizaron originalmente en 2006. Así, entre recuerdos, literatura y canciones, Norteñaterminó siendo menos un recuento de éxitos que una mirada hacia la persona que existía antes de ellos.

Princesa Alba vuelve al Santiago de los 2000 con “Tus estaciones”

El Metro de Santiago vuelve a convertirse en escenario de una historia de amor. Este jueves 13 de agosto, Princesa Albaestrenó oficialmente “Tus estaciones”, un nuevo sencillo que cruza pop melódico, guiños al indie y ritmos suaves para explorar una etapa más madura de su propuesta musical. El lanzamiento llega acompañado de un videoclip dirigido por Esteban Vargas Roa, donde los vagones, estaciones y trayectos cotidianos de la capital funcionan como territorio emocional.

La canción tiene una historia que se remonta a 2016 y 2017, cuando la artista todavía se trasladaba diariamente como estudiante y comenzaba a escribir algunas de las maquetas que marcarían su carrera, entre ellas “Convéncete”. En ese entonces, los desplazamientos por Santiago terminaron convirtiéndose en un espacio de creación. Lejos del ruido como distracción, las multitudes y los trayectos repetitivos funcionaron como una especie de aislamiento dentro de la ciudad.

“Efectivamente, los espacios de mucho tránsito y horario peak son cuando más me conecto con mi inconsciente, mis sentimientos y mi corazón. Dicen que en esos momentos mecánicos o en piloto automático es cuando más nos encontramos con nuestro universo creativo. Siento que entre más multitudes hay, más conectada estoy conmigo misma; entre las multitudes me hallo mucho”, explica Princesa Alba sobre el origen de la canción.

Esa relación entre ciudad, memoria y música se traslada directamente al videoclip. Bajo la dirección de Esteban Vargas Roa, el Metro aparece no solamente como una locación, sino como el eje narrativo de una historia marcada por recuerdos y pequeños objetos cargados de significado. Entre ellos aparece un teléfono Sony Ericsson, elemento que conecta la estética de comienzos de los 2000 con una época previa a la hiperconectividad permanente de las redes sociales.

Visualmente, “Tus estaciones” también mira hacia atrás. El videoclip recupera códigos del pop de los años 2000 y referencias asociadas a figuras como Julieta Venegas, Belanova y Nelly Furtado, mientras incorpora influencias del cine japonés y secuencias de danza contemporánea que progresivamente llevan el relato hacia un territorio más surrealista e íntimo. El resultado funciona como una cápsula temporal donde Santiago aparece reconocible, pero filtrado por la memoria y la imaginación de la artista.

“Siento que el videoclip retrata muy bien esa sensación de la canción: que no alcanzó a dejarme nunca en su estación porque siempre estuve metida en mi cabeza. Esta canción tiene algo de culpa, de no haber podido dar más en la relación; es un tema super triste y nostálgico que se ve reflejado perfectamente en el video”, agrega la artista. Esa idea atraviesa la canción completa: viajar mientras la cabeza permanece atrapada en otro lugar, convertir un trayecto rutinario en el escenario de una relación que ya terminó.

“Tus estaciones” llega después de “Ella y yo”, publicado el pasado 18 de junio, y continúa una etapa de exploración que posiciona a Princesa Alba desde una sensibilidad pop cada vez más sofisticada. En este nuevo capítulo, el transporte público deja de ser simplemente parte del paisaje santiaguino para transformarse en metáfora: estaciones que se suceden, personas que suben y bajan y recuerdos que permanecen incluso cuando el tren ya está en movimiento.

Cancamusa proyecta su mejor momento con una gira por escenarios españoles

La internacionalización de la música chilena suma un nuevo capítulo con el regreso de AIEnRuta, uno de los programas de intercambio artístico más relevantes entre Chile y España. Tras varios años de pausa, la iniciativa impulsada por la Sociedad Chilena de Autores e Intérpretes Musicales (SCD) y la Sociedad de Artistas Intérpretes o Ejecutantes de España (AIE) confirmó las fechas que llevarán a Cancamusa a recorrer cinco ciudades españolas durante noviembre, consolidando el mejor momento de la cantautora nacional tras el éxito de su álbum Dopamina.

La cantante, compositora y baterista chilena será la primera representante nacional de esta nueva etapa del programa, mientras que desde España llegará la banda El Nido, cuyos conciertos en Chile serán anunciados durante los próximos meses. La gira europea de Cancamusa comenzará el 13 de noviembre en Castellón, en el marco de la Feria Trovam, para continuar el 15 de noviembre en Barcelona, el 18 en Madrid, el 19 en Toledo y cerrar el 21 de noviembre en El Puerto de Santa María, dentro del reconocido festival Monkey Week.

El recorrido servirá para presentar el espectáculo de su Dopamina Tour, una propuesta que reúne canciones de sus tres discos de estudio y que refleja la evolución artística de una de las voces más sólidas de la escena independiente chilena. La gira llega, además, pocos meses después de que la artista obtuviera el Premio Pulsar 2026 a la Canción del Año gracias a “Dopamina”, reconocimiento que reafirmó el crecimiento de su proyecto tanto a nivel creativo como de convocatoria.

Sobre este nuevo desafío internacional, Cancamusa expresó su entusiasmo por volver a encontrarse con públicos fuera del país. “Estoy muy emocionada y profundamente agradecida”, afirmó la artista, agregando que “será una oportunidad para compartir mis canciones y el camino que he ido construyendo durante estos últimos años como cantautora y baterista, en medio de tantos viajes. Como alguien que nació en el sur de Chile, me emociona profundamente poder llevar mi música a nuevos escenarios y compartirla con personas de otras partes del mundo. Las canciones tienen la capacidad de viajar mucho más lejos de lo que imaginamos, y eso es algo que nunca deja de sorprenderme. Gracias a todas las personas que escuchan mi música, y también a la SCD y a la AIE por hacer posible esta iniciativa. Gracias por hacer que estas canciones sigan encontrando nuevos caminos”.

AIEnRuta nació hace más de una década con el objetivo de fortalecer la circulación de artistas entre ambos países y abrir nuevas oportunidades para la música iberoamericana. Tras varias ediciones exitosas, el programa debió suspender sus actividades en 2020 debido a la pandemia del Covid-19. Su regreso representa un nuevo impulso para la movilidad internacional de músicos independientes y para la consolidación de redes de colaboración entre Chile y España.

Mientras Cancamusa prepara su desembarco en Europa, la organización adelantó que próximamente revelará las fechas de la gira chilena de El Nido, completando así el intercambio artístico que caracteriza a AIEnRuta. Las entradas para los conciertos de la artista nacional en España ya se encuentran disponibles a través de las plataformas oficiales de cada recinto y en su sitio web, marcando el inicio de una nueva etapa para un programa que busca seguir proyectando el talento chileno más allá de las fronteras.

Diez años después Marineros sigue mirando hacia el futuro

Después de más de una década consolidándose como una de las propuestas más singulares del pop independiente chileno, Marineros vuelve a mover las piezas de su universo creativo. El dúo formado por Cer y Soledad Puentes presentó “La esquina de los sueños rotos”, un nuevo single que inaugura una etapa marcada por la introspección, una producción de alto nivel y una mirada más madura sobre los vínculos, las pérdidas y la capacidad de volver a empezar.

Disponible en todas las plataformas digitales desde el 3 de julio de 2026, la canción toma como punto de partida una imagen cotidiana: esa esquina que siempre parece estar a la vuelta y donde algo importante está por ocurrir. A partir de esa metáfora urbana, Marineros construye un relato sobre la persistencia, el riesgo y la decisión de seguir avanzando incluso cuando el camino parece incierto. La producción estuvo a cargo de Cristián Heyne junto a la propia banda, mientras que la masterización fue realizada en el Reino Unido por Mike Marsh, ingeniero de The Exchange, reforzando una sonoridad elegante y de estándar internacional.

La dimensión más personal del sencillo también atraviesa su letra. Sobre el origen de la composición, Cer explica: “Esta canción no solo se la cantaría a un prospecto romántico. Es para cualquier tipo de relación; de hecho, me la canto a mí misma, a mi propia vida”. La declaración resume el espíritu del lanzamiento: una reflexión abierta sobre las relaciones humanas que trasciende el amor romántico para dialogar con la identidad, las expectativas y la resiliencia.

El estreno llega acompañado por un videoclip dirigido por Liberta Romano, quien apuesta por una narrativa cinematográfica para ampliar el universo emocional de la canción. La producción cuenta con las actuaciones de Paula Luchsinger y Renata González Sprälja, dos intérpretes que trasladan a la pantalla la tensión, la fragilidad y la intensidad presentes en la composición, reforzando el carácter visual que ha distinguido a Marineros durante su carrera.

Más allá del lanzamiento, el sencillo funciona como la antesala de uno de los hitos más importantes para el proyecto. El próximo 15 de julio, Marineros celebrará los diez años de O Marineros con un concierto especial en Blondie, donde recorrerá el disco que marcó a una generación de seguidores y, al mismo tiempo, presentará por primera vez en vivo “La esquina de los sueños rotos”, conectando pasado y presente sobre el escenario.

Con este lanzamiento, Marineros confirma que su evolución no pasa por romper con su identidad, sino por expandirla. El dúo reafirma una propuesta artística donde la sensibilidad pop, la sofisticación sonora y el lenguaje audiovisual continúan dialogando con naturalidad, demostrando que, diez años después de su debut, todavía tiene nuevas historias que contar.

Javiera Mena lleva al Movistar el álbum que marcó una generación

Hace dos décadas, cuando las redes sociales apenas comenzaban a moldear la cultura digital y la música independiente sobrevivía gracias al boca a boca, Javiera Mena lanzó un disco que terminaría convirtiéndose en una pieza fundamental del pop latinoamericano. Hoy, veinte años después de la publicación de Esquemas Juveniles, la artista chilena anuncia el concierto más grande de su trayectoria: su primer show en solitario en el Movistar Arena, programado para el próximo 9 de diciembre.

La presentación no solo marca un nuevo hito para una de las figuras más influyentes de la música hispana contemporánea, sino que también funciona como una celebración de un álbum que redefinió las reglas del pop independiente en Chile. Publicado desde la autogestión y construido junto al productor Cristian Heyne, Esquemas Juveniles nació en una época donde los discos se vendían físicamente en espacios emblemáticos como Sonik o durante conciertos en el desaparecido Cine Arte Alameda. Desde ahí comenzó una historia que terminaría influyendo a toda una generación de artistas.

La dimensión simbólica del concierto no pasa desapercibida para la propia cantante. “Hacer un Movistar Arena sola con Esquemas Juveniles se siente como cerrar un círculo hermoso y gigante. Cuando yo compuse esas canciones, mi universo era diminuto y todo nacía desde un teclado Casio. Pensar que ese minimalismo hoy nos va a llevar a un escenario tan grande como el Movistar es muy fuerte”, reflexiona Javiera Mena sobre este momento clave de su carrera.

El espectáculo estará centrado en rescatar la esencia original del álbum, devolviendo al escenario canciones que marcaron una época para la música independiente chilena. Temas como Sol de Invierno o Al Siguiente Nivel volverán a sonar con el espíritu que los convirtió en himnos generacionales, pero acompañados de una puesta en escena de gran formato que promete combinar tecnología, visuales y una narrativa especialmente diseñada para la ocasión.

Más que un concierto retrospectivo, la artista plantea esta fecha como un recorrido por las distintas etapas de su universo creativo. “El concierto va a ser un viaje fluido. Vamos a pasar de mi pequeña pieza con mi computador a muchos universos diferentes, en donde exploraré desde la ternura de las baladas hasta la apertura de la electrónica. Mi carrera siempre ha sido transitar entre esos dos mundos: la melancolía y la pista de baile”, adelanta.

La cita también contará con invitados especiales y colaboraciones que buscan rendir homenaje a la escena independiente que acompañó el surgimiento de Javiera Mena durante los años 2000. En una industria cada vez más acelerada y dominada por tendencias efímeras, el regreso a Esquemas Juveniles aparece como una oportunidad para revisitar uno de los discos más influyentes del pop chileno y confirmar que algunas canciones, lejos de envejecer, siguen encontrando nuevas generaciones dispuestas a hacerlas propias.

La Caravana Mágica y Jairo Vera cruzan la cumbia con lo urbano

En una escena chilena donde las fronteras entre géneros ya casi no existen, La Caravana Mágica acaba de sumar un nuevo experimento sonoro junto a Jairo Vera. El resultado es “ME GANA”, un single que mezcla cumbia, sensibilidad urbana y una carga emocional que se mueve entre la culpa, el aprendizaje y las relaciones que siguen pesando incluso cuando parecen terminadas.

La colaboración no apareció por estrategia ni algoritmo. Según Pablo Sanz, líder de la banda, la idea nació desde la admiración mutua y la necesidad de sacar la propuesta musical hacia otro territorio. “Sentimos que Jairo era el artista ideal para lograr esta fusión. Conectó de inmediato con la canción y le dio un sello propio que elevó la propuesta”. Y se nota. La voz de Jairo Vera no entra como un featuring decorativo: transforma el ritmo y le da una energía distinta sin romper la esencia melancólica de la canción.

Compuesta inicialmente en guitarra por Sanz, “ME GANA” mantiene esa mezcla clásica de fiesta y nostalgia que históricamente ha definido a La Caravana Mágica, pero ahora filtrada por códigos más cercanos a la música urbana actual. El resultado no intenta sonar forzado ni “experimental por marketing”. Más bien funciona como un puente natural entre dos escenas que hace rato comparten público, emociones y calle.

Para Jairo Vera, además, el single marca una salida consciente de su zona habitual. “Siempre he tenido una conexión especial con la cumbia, la escucho desde chico, así que este proyecto tiene algo muy personal para mí. Salir de mi zona habitual y explorar otros géneros es un desafío que disfruto mucho”. Esa mezcla de cercanía emocional y búsqueda artística termina siendo uno de los puntos más fuertes del lanzamiento.

El videoclip, grabado en la costa central, acompaña la canción con una estética luminosa que contrasta con el peso emocional de la historia. Hay playa, colores cálidos y una sensación constante de nostalgia veraniega que dialoga con la idea de relaciones que siguen dando vueltas aunque uno intente avanzar. Visualmente, el cruce entre ambos universos funciona igual de fluido que en la música.

Con este lanzamiento, La Caravana Mágica sigue expandiendo un catálogo donde la cumbia convive con reggae, sonidos latinos y referencias urbanas sin miedo a mezclarse. Y en un momento donde gran parte de la música chilena está perdiendo el miedo a cruzar estilos, “ME GANA” aparece como otro síntoma de una escena que ya no quiere encajar en etiquetas rígidas.

Overdous y el sonido oscuro que mezcla fe y distorsión

En la intersección entre lo espiritual y lo urbano, donde la estética pesa tanto como el sonido, aparece Overdous, un proyecto que no se define como banda sino como una especie de culto creativo. Impulsado por Ben Bulgari, este colectivo se presenta como una “legión colaborativa” donde cada integrante cumple un rol dentro de un ritual en constante mutación. Más que música, lo que proponen es una experiencia: una narrativa que se construye desde la tensión, sin respeto por los límites tradicionales de los géneros.

Su lenguaje es el rage, pero no en su versión más pura, sino como un híbrido que empuja el sonido hacia terrenos menos explorados. Overdous cruza la agresividad del trap con la herencia del nü metal y suma capas melódicas del reggaetón, generando una mezcla que no busca encajar, sino incomodar. En ese cruce, el proyecto se instala como una anomalía dentro de la escena urbana, una que dialoga tanto con el caos como con la precisión estética.

El primer manifiesto de esta doctrina es ‘Dime que sí’, un single que funciona como portal de entrada a su universo. La canción transita entre la brutalidad del metal, la sensualidad rítmica del trap y una narrativa que mezcla terror psicológico con simbolismo religioso. Aquí no hay medias tintas: Overdous construye un relato donde lo sagrado y lo profano conviven, tensionados por conceptos como la culpa, el deseo y la transformación.

Detrás del proyecto aparece una identidad fragmentada pero coherente. Bel Viso —alter ego de Bulgari— lidera este viaje acompañado por Faccia Muta, Volto Nero y Nome Negato, nombres que refuerzan la lógica de anonimato y personaje. Todo orbita en torno a “Doctrina 17”, un primer álbum conceptual inspirado en la hora 17:17, asociada a la comunicación entre planos y entidades. La música, en este caso, funciona como canal.

El despliegue no es solo sonoro, también es visual y técnico. “Esta canción es la introducción al mundo sonoro, y audiovisual de Overdous. El video fue registrado en tres ciudades de Italia por el director Daniel Roa. El proceso de mezcla estuvo a cargo del nominado a múltiples Grammy, Amir Derakh –guitarrista de Orgy, productor de Linkin Park, Coal Chamber, entre otros–. El master es de Mike Marsh, que ha trabajado con N.W.A, Depeche Mode, Bob Marley, Oasis, Prodigy, Björk, y más”, detallan. Una carta de presentación que cruza escena local con estándares globales.

Con referencias que van desde el metal de Korn y Deftones hasta el caos digital de Playboi Carti y la sensibilidad urbana de Bad Bunny, Overdous propone algo más que una suma de influencias. ‘Dime que sí’ no solo marca un debut, sino el inicio de una narrativa donde el oyente no es espectador, sino parte de un acuerdo. Uno que, como su propia doctrina sugiere, no tiene vuelta atrás.

School of Rock proyecta nuevos escenarios tras su paso por Kidzapalooza

La formación musical también tiene su propio circuito dentro de los grandes festivales, y este año volvió a quedar en evidencia con la participación de School of Rock en Kidzapalooza, el espacio familiar de Lollapalooza Chile. La academia dedicada a la formación de nuevos músicos se presentó el pasado sábado ante una audiencia masiva, reafirmando su presencia dentro de uno de los eventos culturales más convocantes del país y consolidando una estrategia que mezcla educación, escenario y experiencia en vivo.

La actuación marcó la séptima participación de School of Rock en Kidzapalooza y el quinto año consecutivo formando parte del festival. Más que una presentación puntual, el show se construyó como una puesta colectiva con alumnos provenientes de distintas escuelas del país, reforzando el carácter formativo del proyecto. La propuesta de este año, titulada “Voces del Más Allá”, rindió homenaje a artistas fallecidos cuya música sigue vigente, transformando el escenario en un ejercicio de memoria musical y aprendizaje práctico.

Andrés Pérez, director musical corporativo de School of Rock Latinoamérica, destacó el trabajo previo detrás del espectáculo y el sentido pedagógico de la experiencia. “para nosotros siempre es un momento muy especial del año. Fue un show que trabajamos mucho y que preparamos con anticipación junto a alumnos de todas las escuelas de Chile. Este año homenajeamos a grandes artistas que ya no están, pero cuya música sigue viva y merece ser celebrada. Fue todo un éxito, especialmente con nuestra propuesta ‘Voces del Más Allá’, donde recordamos esas voces que marcaron generaciones y lo transformamos en una gran fiesta musical”.

Tras el paso por Kidzapalooza, la academia ya proyecta su siguiente escenario en el sur del país. School of Rock participará en el Festival REC 2026, que se realizará los días 28 y 29 de marzo en Concepción, ciudad donde la institución abrió una escuela en 2025 y ha experimentado una fuerte recepción. La presentación se perfila como una nueva instancia para que estudiantes vivan la experiencia de tocar frente a público masivo, pero también como una oportunidad para conectar con la escena local.

Charly Benavente, artista penquista y director musical de School of Rock Concepción, subrayó el valor de esta participación. “Es un orgullo tremendo ser parte del Festival REC 2026, el festival gratuito más grande de Chile. Es un escenario que representa una oportunidad única para nuestros alumnos, para que vivan la experiencia de la música en un contexto más profesional y frente a la comunidad que los está viendo formarse. Más que un concierto, es un momento formativo que conecta con la educación, con la cultura y con nuestro territorio”.

El crecimiento del proyecto también se refleja en su expansión territorial. Con más de 420 escuelas a nivel internacional y presencia en los cinco continentes, School of Rock continúa fortaleciendo su red en Chile tras más de una década de funcionamiento. Su método, basado en la práctica y patentado en Estados Unidos, promueve el aprendizaje musical desde la experiencia escénica, integrando a estudiantes de distintas edades y niveles.

En esa línea, la academia anunció la apertura de dos nuevas sedes en Santiago. Una de ellas estará ubicada en Ñuñoa, a pasos de Plaza Ñuñoa, mientras que la segunda abrirá en Peñalolén durante abril, convirtiéndose en la duodécima escuela del país. La expansión responde a una demanda creciente por formación musical que combine educación formal con la vivencia del escenario, un modelo que ha encontrado en los festivales su vitrina más visible.

Con presentaciones en eventos masivos, nuevas sedes y una comunidad en crecimiento, School of Rock continúa posicionándose como un puente entre la educación musical y la experiencia real de la industria.

Lolla Love expande la escena con identidad y comunidad

En un festival que cada año redefine su escala, Lolla Love regresa en 2026 como uno de los espacios más significativos dentro de Lollapalooza Chile. Bajo el concepto “La diversidad que nos une”, esta plataforma reafirma su compromiso con la inclusión, el respeto y la celebración del amor en todas sus formas, construyendo un territorio donde convergen mujeres, disidencias, pueblos originarios y múltiples comunidades que entienden la cultura como un ejercicio de presencia y memoria activa.

Durante los tres días de festival, Lolla Love será un punto de cruce entre música, arte y diálogo. La programación 2026 integra una escena diversa que combina artistas emergentes y consolidados, entre ellos Q ARE, Lulú Jam, 22Ruzz, MC Millaray, Amikira, Nekki, Le Fruto, Barbacius, Quediostesalve, Velem, Matiah Eme, Cheska Liz, Angel Flow, Ali Isabella e Ignacio Ruiz. Más que un listado de nombres, el cartel funciona como una radiografía del pulso creativo actual, donde distintas sensibilidades conviven sin jerarquías forzadas.

En ese paisaje sonoro, la propuesta de Nekki se instala con una identidad clara: combativa y contestataria, pero atravesada por soul, flow y una energía luminosa que transforma la denuncia en celebración colectiva. Como artista afrodescendiente, su presencia dialoga con la dimensión política de Lolla Love, aportando un discurso que no pierde ritmo ni alegría. Por su parte, Le Fruto representa otro tipo de resistencia, más silenciosa pero persistente. Con más de 15 años de trayectoria en el circuito under, su propuesta experimental ha sabido mantenerse al margen de las fórmulas, construyendo una carrera coherente que encuentra en este espacio un escenario natural para expandirse.

El line up se complementa con DJs como Yeimy, Kit Kat, Pagano, Nizer, Mariklonas, Star Joa Bluberry, Papi Yorsh, Pali y Don Diego de Noche, además de la participación de House of Venti y House of Trinity como hosts oficiales, integrando shows de drags y ballroom con artistas como Skyla Mayla, Baby Angel e Indómita Babes Drag. El stand up, a cargo de Cata Jaque, Lunamor y El Omi, suma otra capa expresiva a un espacio que entiende la performance como lenguaje político y cultural.

Más allá de la música, Lolla Love 2026 profundiza su dimensión social con la presencia de organizaciones como Fundación Iguales, Ingeniosas, Amar Migrar (PAM) y otras iniciativas que contarán con stands interactivos para visibilizar su trabajo. A esto se suma la intervención del artista visual Diego Candia, quien liderará una expo participativa con un “muro musical” que combinará retratos e intervenciones colectivas, invitando al público a ser parte activa de la experiencia. Paneles de conversación, talleres y testeos gratuitos de VIH en alianza con la Universidad de Chile completan una programación que trasciende el escenario.

Fundado en 1991 por Perry Farrell, Lollapalooza marcó un antes y un después en la cultura festivalera al fusionar música, arte y activismo. Más de tres décadas después, su edición chilena mantiene esa vocación expansiva, entendiendo que un festival masivo también puede ser un espacio de representación y conversación.

En un contexto donde la cultura se debate entre la espectacularidad y el contenido, Lolla Love vuelve a apostar por lo segundo sin renunciar a lo primero. Un espacio donde distintas trayectorias, como las de Nekki y Le Fruto, conviven con nuevas voces y discursos, confirmando que la diversidad no es tendencia pasajera, sino una forma de construir futuro desde el escenario.

Los Jaivas celebran 45 años de Alturas de Macchu Picchu con cine al aire libre

Hay obras que no envejecen porque no pertenecen a una época, sino a un pulso más profundo. A 45 años del lanzamiento de Alturas de Macchu Picchu, Los Jaivas volverán a activar ese cruce entre música, poesía y memoria con un encuentro abierto y gratuito en Peñalolén, donde presentarán la película documental homónima en un evento al aire libre que promete ser mucho más que una simple exhibición cinematográfica.

La cita será en el Centro Ceremonial de Pueblos Originarios de Peñalolén, un espacio cargado de simbolismo cultural y patrimonial, elegido no al azar para esta conmemoración. Allí, cine, música y territorio dialogarán en una experiencia pensada como un acto comunitario, en sintonía con el espíritu colectivo que ha marcado la trayectoria de la banda chilena más internacional de nuestra historia reciente.

El evento marcará, además, un momento clave para los seguidores del grupo. En esta instancia, Los Jaivas anunciarán oficialmente las fechas, ciudades y el inicio de la venta de entradas de la gira nacional e internacional que se desarrollará entre 2026 y 2027, un recorrido que volverá a poner en circulación una obra fundamental del cancionero latinoamericano y que dialoga, hoy más que nunca, con las urgencias culturales del presente.

La actividad del 4 de febrero es producida por 4Parlantes y cuenta con la colaboración de la Municipalidad de Peñalolén, consolidándose como una iniciativa abierta a la comunidad y pensada para el encuentro ciudadano. La elección del formato gratuito y al aire libre refuerza una idea que atraviesa toda la obra de Los Jaivas: la música como patrimonio vivo, accesible y compartido.

El documental Alturas de Macchu Picchu es un registro histórico de la presentación que la banda realizó en las ruinas incas de Machu Picchu, instancia que dio vida al disco que musicaliza los poemas de Pablo Neruda. Dirigida por Reinaldo Sepúlveda, la película será exhibida en esta ocasión en una versión remasterizada, ofreciendo una experiencia visual y sonora renovada, acorde a los estándares actuales, pero sin perder la fuerza ritual de su origen.

Durante la jornada, los integrantes de Los Jaivas estarán presentes para compartir con el público, generando un espacio de cercanía poco habitual para una banda de esta magnitud. Más que un show, el encuentro se plantea como un acto de memoria activa, donde la obra dialoga con nuevas generaciones y se resignifica desde el aquí y el ahora.

El evento también contará con una feria y muestra de organizaciones indígenas que forman parte del Centro Ceremonial de Pueblos Originarios de Peñalolén, reforzando el vínculo entre la obra, los pueblos originarios y el territorio que acoge esta actividad. Una capa adicional de sentido que conecta el legado de Neruda, la música de Los Jaivas y las raíces culturales que atraviesan la historia del continente.

La convocatoria está fijada para las 20:00 horas y el ingreso será por orden de llegada. Una invitación abierta a reunirse bajo las estrellas, a escuchar, mirar y recordar, en un gesto que confirma que Alturas de Macchu Picchu no es solo un disco o una película, sino un rito que sigue vivo.